Las noches de Sara Malacara es un espacio creado para

UN CANTO A LA PALABRA EMPEÑADA

2009-06-27T13:15:00.000-07:00

Por: BEATRIZ VANEGAS ATHÍAS

Dice Ciro Guerra, el director del filme colombiano Los viajes del viento que su obra es “la historia de un viaje. Un viaje hacia el principio, hacia el espíritu, hacia nuestra alma”. Es incuestionable que se trata de un viaje hacia nuestra alma, por ello es que la cinta es también un canto a la palabra empeñada. Porque en el principio del principio, fue la palabra sin testigos, ni necesidad de firmas al pie de un escrito. Palabra de gallero que llaman por allá por Majagual, Sucre, población de donde es oriundo Ignacio Carrillo, el juglar que cruza ríos, ciénagas, caminos abiertos entre la maleza, cultivos de millo, desiertos, pueblos, hasta llegar a su destino en Taroa, por allá en la Alta Guajira.
Un viaje cuya Ítaca será el cumplimiento de una promesa: devolver un mítico acordeón a su dueño. En esencia, todo viaje es el cumplimiento de un pacto, de un juramento hecho. Los viajes deparan para quien los realiza, recompensas a cada paso que se da para alcanzar la culminación. En Los viajes del viento el aprendizaje llegará a Fermín, el joven que decide seguir a su maestro porque quiere ser acordeonero. Y los espectadores aprenden igualmente que Colombia no es sólo pícara, mafiosa, asesina. Hay en estos ciento diecisiete minutos de poesía fílmica un elogio del ser colombiano adusto, pero generoso. Ignacio es un hombre hosco pero firme en sus convicciones y a lo largo de su viaje descubre al espectador un paisaje maravilloso, pero cruel que es endulzado con personajes simples, dispuestos a ayudarlo sin pedir nada a cambio.
Esta es una historia digna, contada con una cámara que tiene un ojo de poeta que le permite al espectador hacer una antología de instantes mágicos en donde el color es una fiesta. La fotografía de Paulo Andrés Pérez y la banda sonora de Iván “Tito” Ocampo-que rescata la sustancia del vallenato- narran, por ejemplo, sin la anuencia de la palabra hablada, el ritual para acceder al oficio de percusionista en un cerco de luz que se cuela por los árboles; la brega del arreador de ganado y sus cantos de vaquería a través de la llanura de todos los verdes; la llegada a puertos bullangueros, plenos de color y miseria; las siluetas de maestro y discípulo derrotando amaneceres, ocasos, anocheceres. Una celebración para los ojos y los oídos que genera nostalgia para quienes llevan tatuado en el alma y la piel esa geografía y esas formas de vivir la vida; y asombro, para quienes siendo colombianos, leen la historia del cineasta cesarense Ciro Guerra, con el deslumbramiento de aquellos que desconocen el país que habitan.
Los viajes del viento le apostó a la poesía. Y sabemos que la poesía surge cuando hay honestidad y visceralidad en quien la crea. Por ello hizo parte de las cincuenta películas seleccionadas en Cannes 2009 en la sección “Una cierta mirada”. Por eso hay que vivirla para ratificar la verdad de Hölderlin: Allí donde crece el peligro/ crece también la salvación.

MÁXIMAS Y MÍNIMAS: INÉDITOS DEL POETA LUIS MIZAR

2009-05-04T16:33:00.000-07:00

MAXIMAS Y MINIMAS

DEL EGO

Por: Luis Mizar Maestre

1. El seductor para tener éxito siempre debe aparentar ser un esclavo del objeto seducido.

2. El seductor es un francotirador de halagos, dádivas, sensaciones, simulaciones, auto sacrificios que embriagan a la víctima de tal manera, que ella misma se pone la soga de la perdición en el cuello.

5. La costumbre de culpar a los demás de nuestros desaciertos, es el ritual depravado que hacemos para mantener a salvo de reproches a nuestra bestia interior.

28. ¿y qué medicamento puede curar la angustia que sentimos cuando nos percatamos que la alcancía de nuestra vanidad está vacía de monedas de alabanzas?

29. Quien adquiere el vicio de alabar a los demás por actos absurdos y pueriles denota el cáncer de su mediocridad.

34. El titiritero ama a sus criaturas de trapo más que a si mismo, porque esos monstruosos muñecos sin oponer resistencia encarnan la inocencia o perversidad de todos sus deseos.

LA NOCHE DEL ICONOCLASTA

2009-03-06T14:03:00.000-08:00

LA NOCHE DEL ICONOCLASTA

Por: BEATRIZ VANEGAS ATHÍAS

Una verdad ha sido confirmada por numerosas fuentes mediáticas y literarias –léase la novela “Rencor” de Óscar Collazos, por ejemplo-. Cartagena es la personificación del elitismo y la exclusión en Colombia. En La Heroica ha sido difícil sacudir la marca del racismo y de los abismos que fundan clases sociales que se desprecian, pero que se necesitan.

La ciudad amurallada es el gueto que surge imponente para corroborar esto. Y justamente allí, ocurre el Hay Festival. Todo es bello en la Antigua ciudad que es eternamente maquillada gracias a su condición de patrimonio histórico de la humanidad. Hasta el viento y el sol son benévolos allí, suceso atmosférico que no ocurre en la Cartagena real y cruda. El legado de Eolo no deja de soplar y el dios heredado de Helios dosifica su intensidad, porque es necesario que actrices, actores, escritores, músicos, políticos, empresarios, damas encopetadas, turistas venidos de muchísimas partes, no suden tanto, de tal suerte que corroboren la belleza desplegada en prensa y televisión. Es esta Cartagena del Hay Festival, una inmensa puesta en escena de cocheros, vendedores de artesanías, restaurantes salseros, soneros, serenateros que van de mesa en mesa ofreciendo tres cantos vallenatos o tres boleros, por diez mil pesos al entusiasmado turista. Igual se encontraba una, con la sonrisa socarrona de Rudolf Hommes estrechando la mano de Alma Guillermoprieto o con la sonrisa mordaz y plena de Salman Rushdie, caminando acelerado para llegar a un conversatorio.

Cartagena antigua, de contrastes y vacuas confirmaciones: si usted sabe poco de farándula, bastaba con observar quién estaba vestido con pantalones, camisas y blusas de color blanco o crema, de tela hindú, muy liviana. Una creería que en cualquier momento aparecería el director anunciando, luces, cámara… me dice mi intuición que se disfrazan de caribeños, aunque el argumento para esta uniforme indumentaria, sea la inclemencia del calor…

Con esa escenografía, el sábado 29 de enero, a las 7:30 de la noche, el Teatro Pedro Heredia sería el escenario para que el biólogo y escritor Fernando Vallejo, cercenara los ídolos del catolicismo. El nombre de su conferencia no podía ser más provocador: Los crímenes del cristianismo. La fila para entrar a verlo y escucharlo bordeaba casi tres cuadras. Muchos temían perderse el espectáculo, pese a que contaban con la anhelada boleta. Una vez adentro, vimos caminar por la alfombra central a un hombre flaco, un tanto encorvado, de cabellos canosos, vestido de azul celeste, con una carpeta bajo su axila y seguido por un personaje de contextura fuerte y cabeza rapada que fungió como asistente del escritor, pese a que la organización del Hay Festival, tenía el escenario acondicionado hasta en el más ínfimo detalle.

Silencio absoluto. Vallejo se sentó de lado en el escenario, es decir, el público sólo veía medio cuerpo y medio rostro del creador. Empezó a leer con una voz un tanto disfónica y con la mirada de quien se sabe de memoria el discurso que ofrecerá.

El teatro Heredia, repleto. Los más disímiles perfiles humanos se hallaban allí. Con el correr de los minutos y las rotundas teorías de Vallejo, el auditorio se iría decantando. El calor empezaría a subir con cada dardo lanzado justo al centro del dogma cristiano. Los abanicos de las damas bien de Cartagena se agitaban incontenibles: muy caro estaban pagando el deseo de estar a la moda asistiendo a cuánto conversatorio del Hay Festival presagiara presencia de los medios. Murmuraban, se santiguaban. Cuando Vallejo alcanzó los veinte minutos de conferencia, alrededor de quince personas habían abandonado el sitio. Pero el teatro continuaba ahíto, no así el morbo de muchos, que, sintiéndose ofendidos permanecían ahogándose en lo que consideraban una afrenta.

Aquella noche, Fernando Vallejo ofreció una magistral muestra de su sabiduría. Hizo un recorrido histórico documentado, mencionando uno por uno los innumerables clérigos, papas, obispos, arzobispos que se aliaron con Adolfo Hitler para consumar el genocidio judío. Enumeró y narró con nombres, apellidos y fechas precisas cuáles miembros de la Iglesia católica rezaban abiertamente por el Fuhrer; cómo los obispos de Bavaria celebraban misas en acción de gracia cada que Hitler se salvaba de un atentado; ofreció datos y relatos de prelados miembros aportantes económicamente de la CCS.

Y con el mismo rigor investigativo que informó sobre la lista de obispos que pertenecieron al Ejército alemán, adobó cada dato con el humor e irreverencia paisa que, aunque no quiera reconocer, le sale en su acento y en sus dichos. De tal suerte que el Procurador y el Presidente de Colombia, no salieron ilesos. Al primero lo mandó a leer su novela La puta de Babilonia: “Cómprelo, así sea pirateado, en Medellín se lo venden con media docena de aguacates”; y al segundo lo llamó “el hombrecito este que tenemos por Presidente, un iluminado por el Espíritu Santo”.

Vallejo confrontó con argumentos y vehemencia a miembros del público que, con agresividad e ignorancia lo instigaron a que dejara de leer y hablara, desconociendo la metodología de una conferencia, el respeto de un conferencista hacia su público cuando lleva preparado su discurso.
El único que carecía de miedo en aquella noche cartagenera, fue el iconoclasta Fernando Vallejo. El público guardaba silencio cuando sentenciaba: “La iglesia católica, la ortodoxa, la protestante, son la maldición más grande de la humanidad; seguida del Islam, los secuaces de Mahoma que rezan agachados mirando hacia La Meca, y con el culo al aire mirando hacia Jerusalén”… pero ése mismo público reía cuando cuestionaba el estado político colombiano.

Al final, una de las organizadoras le entregó una rosa roja que se acostumbra a obsequiar a los escritores del Hay Festival. No faltaron las voces aisladas que protestaron por este acto de amabilidad con el escritor. Él sonrío tímidamente y protegió la flor dejándola en el mismo vaso de agua que calmó su sed en esos casi setenta minutos de conferencia. Con inocencia pretendió el escritor salir por donde entró, pero alguien del público previno a los organizadores para que lo guiara por los camerinos.

A la salida, los mismos que lo tildaron de sacrílego y hereje, hacían cola para que Fernando Vallejo les dedicara un libro suyo.

2009-02-26T16:57:00.001-08:00

2009-02-26T16:56:00.001-08:00

XV Encuentro Internacional de Mujeres Poetas de Cereté, 2008

2009-02-26T16:29:00.000-08:00

El público fervoroso en la plazoleta Raúl G. J.

De izquierda a derecha: Lena Reza, la Reina

Madre del Encuentro Internacional de Mujeres

Poetas en Cereté, 2008.

Beatriz Vanegas Athías, Yirama Castaño, Nora Carbonell y Josefa Parra, en el cierre del XV Encuentro Internacional de Mujeres Poetas, Cereté 2008.

Amanecer en el Valle del Sinú: Crónica del XV Encuentro de Mujeres Poetas en Cerete de Córdoba

2009-02-26T16:14:00.000-08:00

AMANECER EN EL VALLE DEL SINU: Crónica del Encuentro Internacional de Poesía en Cereté de Córdoba

Por: BEATRIZ VANEGAS ATHÍAS

Desde hace quince años, Cereté, la tierra de Raúl Gómez Jattin, allí donde él fue un dios y un demonio; la tierra del Oro blanco; la célebre población inmortalizada por el cabo Herrán en su porro “El Guayabo de la Y”, festeja con fervor la vigencia que tiene la poesía en el país de la sinrazón. Una mujer serena, generosa y muy organizada, de nombre Lena Reza García, más conocida en Cereté de Córdoba como la “seño Lena”, convoca año tras año, a más de treinta mujeres de toda Colombia y de diferentes partes del mundo y contra todo nefasto presagio – léase demora de los patrocinadores- el Encuentro Internacional de Mujeres Poetas se realiza en el mágico Centro Cultural Raúl Gómez Jattin a orillas del otrora imponente caño Bugre, brazo del caudaloso río Sinú.
El XV Encuentro del 2008, festejado desde el día jueves 27 hasta el treinta de noviembre, nos trajo las voces de la venezolana Belkis Arredondo, la peruana Doris Moromisato, la mexicana Flor Aguilera y la española Josefa Parra, en lo que respecta a la presencia internacional- Meyra del Mar, quien cada año luce más joven, acudió por sexto año consecutivo y su verbo amoroso conmovió con creciente fervor, al público asistente a cada una de sus presentaciones. Público agradecido y cultivado en quince años de cumplimiento a la cita poética de Cereté, quien le pide versos a Meyra como quien solicita a su cantante favorito, lacanción dedicada a su enamorada: No es de ahora. No./De lejos viene-/de un silencio de siglos,/de un instante en que tuvimos otros nombres y otra /sangre fugaz nos inundó las venas-,/este amor por amor,/este sollozo/ donde estamos perdidos en querernos/como en un laberinto enamorado/.
A Meyra Delmar la revitaliza estar en Cereté. De la silla de ruedas pasa a las muletas, y de éstas al bastón, para finalmente en el 2008, llegar caminando sólo con la ayuda de las solícitas poetas que tejen una corte alrededor de la enamorada del mar. Es incansable, disfruta todas las actividades, los elogios, las fotografías que llueven sobre ella. Conversa delicioso, tiene siempre el apunte justo, como aquel de creerse una virgen en plena procesión, porque en el Encuentro del año 2007, cayó un palo de agua sobre el escenario de la Ronda del Sinú que impidió el recital poético programado para esa noche en que la lluvia reemplazó a los versos.

LOS INICIOS
Lena Reza García es una mujer de poco verbo teórico, pero de mucho verbo de acción. En ella se conjuga la rigurosidad y pausa de la gestora cultural, con la generosidad de los seres humanos plenos. Es el alma del Encuentro Internacional de Mujeres Poetas que año tras año durante casi cinco días inunda de poesía a Cereté de Córdoba.
Si hacemos memoria, debemos anotar que el Encuentro de Mujeres Poetas nació en el seno del grupo de Arte y Literatura El Túnel, con su director, el escritor monteriano José Luís Garcés González, quien invita al taller del grupo, a mujeres poetas de Córdoba para que lean sus creaciones. Inicialmente se llamaba” Recital de Mujeres Poetas de Córdoba”. Pero Garcés González se siente desamparado en Montería y en 1994 traslada el naciente evento a Cereté. Aún no existía el Centro Cultural Raúl Gómez Jattin.

Ampliar la convocatoria era la nueva meta a cumplirse, y de ello se encargó Lena Reza. Así, en 1996, al grupo de Mujeres Poetas de Córdoba entre quienes estaban: Rosita Santos Rodríguez, Bethy Brunal, Antonia Reza García, Indira Críales, Carmen Amelia Pinto, Jaidith Soto, Isabel Cristina Petro, Gladis Patrón y Lenis Rocío Luna, se sumaron nombres de poetas del Caribe. Fue el Primer Encuentro con Meira Delmar, con Nora Carbonell y Lya Sierra de Barranquilla, también participaron: Miriam Reina y Leda Beatriz Mendoza de Santa Marta y la poeta cubana Zoelia Frómeta. A partir de ese año, el Encuentro comienza a consolidarse, la poetas nacionales asisten en mayor número, por ello ha sido posible tomarle el pulso a la escritura poética de mujeres de España, Canadá, Venezuela, Ecuador, Cuba, México y Costa Rica, entre otros.
La exigencia en la calidad del trabajo poético permanece en cada edición del evento, porque para venir al Encuentro de Mujeres Poetas, afirma Lena Reza: no importa traer el atuendo de última moda, las posturas de reina o de modelos en la fotografía, lo realmente importante es la calidad de la poesía que traigan consigo; de hecho cualquier cosa puede faltar en el equipaje de viaje (vestidos, accesorios, maquillaje, etc.), lo que se hace imprescindible son los textos poéticos, los libros publicados o inéditos, los que una vez abierta la maleta inician una interminable circulación de mano en mano, de voz en voz y entonces como en los reinados de belleza el público escoge su favorita, se inclina por el estilo poético de una u otra y ellas saben que por cuatro días es posible ser reinas de la palabra en Cereté, son el centro de atención a donde llegan, los niños(as), jóvenes y adultos les solicitan autógrafos y complacidas los hacen acompañar con versos por dedicatoria.

LAS CASAS DE POESÍA
Y nacen las Casas de Poesía. Original actividad que se realiza durante el segundo día del Encuentro Internacional de Mujeres Poetas y que configura el espacio para que la poesía visite los barrios, y en las últimas versiones, los corregimientos de Cereté. Un bus lleno de música y de las risas de las poetas, las traslada del Hotel o de ese paraíso llamado Corpoica, a barrios de todos los estratos en Cereté: Santa Paula, Venus, La Esperanza, Santa Teresa, Santa Clara o a los inolvidables Cotorra, San Pelayo y Carrillo, corregimiento en donde habita Margarita Carrillo, la sapiente maestra que despliega sin envanecerse todo su conocimiento sobre el ritmo musical del porro.

En cada barrio o vereda aguarda un auditorio de veinte o veinticinco personas, que reciben con viandas y postres a tres o cuatro poetas que escogen lo mejor de su producción literaria para emocionar al ama de casa, al campesino que aún no ha emigrado; a la abuela que en sus años mozos leyó y declamó a Julio Flórez; a los aprendices de poetas que aprovechan para solicitar el autógrafo a la poeta venida de tal o cual departamento o país; a la tía que se arriesga a sacar su viejo e invaluable cuaderno de "pensamientos" y sonetos y los lee con emoción represada.

Las casas de poesía de poesía aterrizan a muchas escritores con poses de vedettes y vuelven útil al poema, al oficio de escribir. Las Casas de Poesía transforman a los habitantes privilegiados: ellos aplauden, posan como periodistas al indagar por la vida y milagros de las escritoras; interrogan sobre el oficio de poetizar. ¿Por qué este poema? ¿Qué lo inspiró? ¿Por qué escribe así?. Y se toman la palabra: los maestros aprovechan para mostrarse y presentar las creaciones de sus estudiantes; el compositor canta su más reciente canción; el decimero recita con la perfección métrica infaltable a la décima.

En ocasiones se arman verdaderos conversatorios. Piden repetir un poema que les tocó los vellos del alma. Las Casas de Poesía son un espacio de verdadera comunicación.

MUJER POESÍA, MUJER VERDAD

Así fue llamado el evento este año. Ya es un lugar común que todas las poetas que asisten a Cereté queden prendadas de la magia que acontece allí. No sólo por lo bien tratadas y remuneradas, sino por los lazos vitales e intelectuales que ocurren. Por ello no es extraño que siempre deseen volver o que se quieran quedar, como la célebre poeta cubana Dulce María Pullés, quien literalmente fue adoptada durante ocho meses por Lena Reza y todas sus mecenas en Cereté. No es raro que poetas de la talla de Yirama Castaño, alejadas de la vacuidad que germina en el medio poético bogotano, sólo cumpla la cita anual a Cereté. No es de asombrarnos que poetas reconocidas y de alta calidad y sensibilidad como la mexicana Flor Aguilera considere que Cereté representa: un impulso tremendo. Todas las participantes regresamos a casa tras el Encuentro, con más ánimos y con un deseo de escribir fortalecido. Los asistentes a los recitales y lecturas públicas también son motivados a leer más poesía a apoyar eventos de esta índole. Crea también una suerte de solidaridad femenina con la poesía de otras mujeres. Es un evento rico en poesía pero también en el fortalecimiento de los lazos entre mujeres dedicadas a las letras del mundo hispano.

En Cereté ocurrió la poesía que es una verdad. Allí estuvo Marga López, con la magia de su palabra puesta en escena dirigiendo talleres de literatura infantil. Irina Henríquez y Ela Cuava, poetas de Córdoba que año tras año crece vital y poéticamente. Las barranquilleras Nora Carbonell y Margarita Galindo, voces sólidas y fieles a este evento. La española Josefa Parra, reconocida poeta con una obra depurada y un temperamento encantador.La santandereana Idania Ortíz, con su voz serena y admirada por la magia de Cereté. Viviana Restrepo, joven poeta paisa que también empieza a decantar su voz y que emana humor y para quien a Lena Reza le cabe los versos de Bertolt Brecht, con los cuales cierro esta crónica:

"Hay hombres que luchan un día y son buenos. Hay otros que luchan un año y son mejores. Hay quienes luchan muchos años y son muy buenos. Pero hay los que luchan toda la vida: esos son los imprescindibles”
MÁs de geografía
Te buscaré en los mapas,lentamente palpando las líneas divisorias,sorteando montañas y estaciones,descifrando el azul del mar y de los ríos,lentamente acechandoun nombre que te diga y me alimente,un resquicio de luz hecha palabra, ciudad, pueblo, accidente, tal vez tierra.Volviendo del revés la geografía,te buscaré, por entre los dibujos y los signos pintados, lentamente,sin tregua, sin remedio, lentamente en los atlas,sin fe, sin esperanza. De "Alcoba del agua" 2002
Josefa Parra (Jerez de la Frontera, España,1965)
El sueño de la Otra
VII
Me bautizaron con rostro de mujery ungieron mis piernascon aceite.Luego hicieron resbalar por ellasel nombrecon el que aún me llaman.No me arrepiento,pero cada vez que mojo mi pielcon gotas de la bendita aguaconfieso el sonidode las campanas del reloj.
Yirama Castaño (Socorro, Santander, Colombia, 1965)

BEATRIZ VANEGAS ATHIAS
Poeta y cronista. Premio Nacional de Poesía Universidad Externado de Colombia. Estudiante de Maestría en Semiótica en la Universidad Industrial de Santander.

JOSEFA PARRA: POESÍA PARA OLER,DEGUSTAR,PALPAR,VER Y ESCUCHAR

2008-12-29T21:19:00.000-08:00

II. Del olfato

La vainilla; el espliego; el verdín; la canela.
A veces un aroma delgado como de agua,
como de nube o lluvia; a veces un violento
perfume que recuerda la piel de una gacela,
el sudor y la sangre de un animal en celo.
Pero siempre, al final, la vainilla, el espliego...

DECLARACIÓN DE INTENCIONES

Quiero hablar del amor miserable y fastuoso,

de su alma que es el fuego pero es también la helada,

de los bruscos humores y de los gestos tiernos,

del tumulto, el susurro, de la gloria y del miedo.

Déjame que te diga muy bajito su nombre.

(Del libro Alcoba del agua)

I. Del tacto

Acércate despacio a mis dominios;
que tus dedos tanteen el espacio
ciegamente, la oscuridad que envuelve
mi cuerpo; que construyan un camino
y lleguen hasta mí a través del velo
espeso y taciturno de las sombras.
Sálvame con la luz que hay en tus dedos
si me tocan, conjura la desidia,
enciéndeme o abrásame en el tacto
esplendoroso y claro de tus manos.

Como las mariposas de la noche,
hacia la llama iré que tú convocas,
que prefiero quemarme a estar a oscuras.

(Del libro Alcoba del agua)

IV. Del gusto

Hay sal sobre los labios. En la lengua,
un resto de naufragios y sirenas,
tal vez algas, y el gusto de los fondos
espumosos y verdes del océano.
El sexo siempre sabe a mar de invierno,
a galernas en medio de la noche.
(Del libro ALCOBA DEL AGUA)

"El canto de las moscas" y la predicación sobre la violencia ocultada

2008-09-13T11:32:00.000-07:00

“EL CANTO DE LAS MOSCAS” Y LA PREDICACIÓN SOBRE LA VIOLENCIA OCULTADA

Beatriz Vanegas Athías[1]

Resumen
La pregunta que surge al asumir el análisis semiótico del poemario El canto de las moscas (versión de los acontecimientos), de la poetisa colombiana María Mercedes Carranza es ¿cómo construir representaciones de la violencia ocultada, desde un análisis semiótico del poemario en mención? Una primera hipótesis de análisis considera que el objeto significante que nos atañe cumple la función de memoria cultural colectiva. Esta concepción de texto se enmarca dentro de los intereses del análisis semiótico actual, esto es, la comprensión y descripción de las operaciones de organización del sentido y de axiologías culturales para definir una forma de vida. En este texto se propone una aproximación al análisis del poema “Mapiripán”.

Palabras clave: Semiótica. Poesía. Forma de vida: Metáfora.

1. Sobre “El canto de las moscas”

Al hacer una minuciosa pesquisa bibliográfica de las temáticas tratadas por poetas representativos de los seis más recientes hitos o generaciones poéticas de Colombia, esto es, desde 1950 hasta los años noventa, encontramos que movimientos poéticos como Los Nuevos, Piedra y Cielo, el Nadaísmo, Los Cuadernícolas o Cántico y Mito evaden la referencia directa a tópicos sobre la endémica violencia colombiana. Sólo será la llamada “Poesía de los setenta” o Generación del Frente Nacional, como la llamó el crítico y escritor Isaías Peña Gutiérrez, quien asumirá un compromiso ético y estético; es a esta Generación a la cual pertenece María Mercedes Carranza. Nuestro trabajo analítico consiste en un acercamiento semiótico a la poesía de la tragedia masificada o violencia ocultada de una Colombia plena de avatares y desmemoria.

Todo texto, afirma Yuri Lotman, cumple la función de memoria cultural colectiva. El poemario que nos ocupa está constituido por veinticuatro cantos en los que las relaciones entre texto y título, escritura y realidad, canto y acontecimiento nos llevan a postular la hipótesis según la cual El canto de las moscas (versión de los acontecimientos) constituye el primer volumen poético de los hitos líricos contemporáneos en la Colombia del siglo XX dedicado a configurar la violencia de amplia raigambre derechista, acaecida en nuestro país desde la década de los ochenta, y a construir un hito en la memoria de la cultura colombiana. El texto poético como manifestación de la poesía establece una relación no con determinadas realidades, “sino con toda la realidad que se refleja en la conciencia del individuo y de la colectividad”[2]. De tal suerte que, como lo señala Jan Mukarovsky, “a veces el poema presenta por medio de la imagen, y sólo en forma de imagen, toda una narración”.[3] En esta dirección, lo que interesa para nuestra investigación semiótica es hallar la manera cómo el texto pone en escena a los actores en situaciones de espacio y tiempo y cómo esa escenificación poética es una metáfora del modo de vida o de las formas de vida de la cultura implicada. Se trata, en síntesis, del estudio de cómo la disposición de elementos figurativos en el texto organiza la significación, es decir la “forma de contenido” con respecto de la situación sociocultural de producción y circulación del objeto semiótico.

2. Predicación sobre la violencia ocultada

Cada poema genera sentido, construye un relato sobre la transformación de estados observador por alguien que predica de esta experiencia; esto es, el texto organiza una significación que, para nuestro caso, está relacionada con la predicación sobre la violencia ocultada en Colombia (por muchas razones, entre ellas el ejercicio del poder y el olvido). En el poemario que nos atañe, elementos paratextuales como los títulos, los subtítulos y las dedicatorias, cumplen, por ejemplo, con un postulado planteado por Gerard Genette: sirven como vínculo entre el texto y el mundo. La designación de cada poema como un canto asocia los textos a la poesía narrativa como la de Dante o Alonso de Ercilla, que resultan universales para nuestra cultura literaria, pero también con otras formas más antiguas, como las partes de los poemas épicos de la antigua Grecia. Cabe agregar que cada poema breve de nuestro corpus hace parte de una “versión”, esto es, una “manera” de narrar una serie de hechos.

Asumir el poemario de la poetisa María Mercedes Carranza nos hace coincidir con Paul Ricoeur cuando afirma que: “El texto no puede ser nunca un punto final, porque él hace eco del mundo y al mundo apunta a través de la imaginación del lector”[4]. Este mismo autor establece vasos comunicantes entre el lector y el texto, cuando dilucida sobre la metáfora:

La metáfora, a diferencia de la metonimia, predica al ser. Por eso la metáfora es más incisiva, atribuye directamente. Dice doblemente porque da a una cosa el nombre de otra. La metáfora crea un mundo, no lo sustituye como tradicionalmente postula la retórica, por ello constituye un enigma configurado, toda creación metafórica. Ella reclama más bien, una teoría de la tensión, que de la sustitución.[5]

Por tanto, la metáfora campea por el poemario para develar isotopías que configuran la violencia ocultada en el poemario de María Mercedes Carranza. En el poema Mapiripán, por ejemplo, la población es una “fecha” debido al efecto creado por la tensión metafórica, mediada por el verbo ser (es): Mapiripán es ya/ una fecha[6]. El mundo que fue esta población ubicada en los llanos orientales de Colombia se transforma en un mundo-fecha. Aquí no hay sustitución, la metáfora configura un nuevo estado de cosas. Otro ejemplo es el Canto 14, subtitulado Confines. En él, la metáfora, mediante su poder transformador configurado por un sustantivo que adquiere connotación de adjetivo, instaura el nuevo mundo en que se convierte Confines. La desolación es el nuevo orden allí. La metáfora “lluvia y silencio” así lo presupone. Es como si el empleo de los sustantivos “lluvia y silencio” fundara otra dimensión en la población, tal vez la de un mundo arrasado configurado por la metáfora que cierra el breve poema: Desolación de páramo. Confines es “algo” aunque haya dejado de ser.

3. Haikú y canto épico

El crítico y traductor Michael Sisson afirmó sobre el objeto de sentido que nos ocupa: “es una poesía de protesta social dotada de gran sutileza y belleza: un paisaje despoblado, o mejor dicho poblado, pero de muertos, construido a base de imágenes sacadas de la naturaleza, como en el haikú japonés”[7] Esta concepción nos lleva a plantearnos otra hipótesis interpretativa, si tenemos en cuenta las características y estructura formal y de contenido inherente al haikú.

Afirma Luís Corrales Vasco[8] que en cuanto al plano de la expresión, un haikú (o hakai) es un poema breve, de aproximadamente 17 sílabas que suelen estar organizadas en tres versos (5-7-5). El haikú no tiene título ni rima en japonés, su simplicidad es tal que podemos prescindir de signos de puntuación y mayúsculas; de alguna forma, se parece a lo que decimos hablando. En el haikú abundan los sustantivos, es una forma poética predominantemente nominal, de expresión sencilla y concisa. María Mercedes Carranza nos ofrece textos emparentados con el haikú. Esta idea se afianza cuando determinamos que en el plano del contenido “un haikú es simplemente lo que está sucediendo en este lugar, en este momento”, como afirman los poetas japoneses del siglo XVII, citados a su vez por Corrales Vasco.

Otra característica formal del haikú que se evidencia también en los textos que hemos asumido como objeto de análisis semiótico, es la contundencia del último verso. Pareciera que los primeros versos son lo preliminar de un desenlace que, por lo general, se configura a partir de una metáfora o de una imagen. Por imagen entendemos la concepción brindada por el poeta y ensayista Octavio Paz, quien conceptuó:

Las imágenes son productos imaginarios. Designamos con la palabra imagen toda forma verbal, frase o conjunto de frases que el poeta dice y que unidas componen un poema. Estas expresiones verbales han sido clasificadas por la Retórica y se llaman comparaciones, símiles, juegos de palabras, metáforas, paranomasias símbolos, alegorías, mitos, fábula. Cualesquiera que sean las diferencias que las separen, todas ellas tienen en común el preservar la pluralidad de significados de la palabra sin quebrantar la unidad sintáctica de la frase o del conjunto de frases”.[9]

Observemos el verso final del Canto 19, Sotavento, y comparémoslo con el remate del haikú de Kaga No Chiyo. En el Canto 19 Sotavento: Como las nubes/ la muerte, hoy en Sotavento. / Difunta blancura/. En el haikú se lee: En la montaña/ y en el llano, quietud: / día de nieve/. Ambos textos poéticos oscilan entre tres y cuatro versos de arte menor. Tanto en el Canto 19 de María Mercedes Carranza, como en el haikú de Kaga No Chiyo, prevalece la categoría sintáctica del nombre. En el Canto 19 encontramos los sustantivos “nubes”, “muerte”, “Sotavento”, “difunta”. En el haikú: “montaña”, “llano”, “quietud”, “día”, “nieve”. El carácter sintáctico predominantemente nominal de los dos textos es el fundamento de la construcción metafórica. De tal suerte que el verso final de los dos poemas configura la metáfora: “Difunta blancura” (Sotavento) y “día de nieve” (haikú).

Si bien encontramos similitudes, tanto en el plano de la expresión como en el del contenido, entre el haikú y los textos de El canto de las moscas (versión de los acontecimientos); es claro que los poemas de este último, como en la mayoría de los haikú escritos en Occidente[10], no adhieren al patrón silábico 5-7-5, pero crean una atmósfera formal de haikú u otras formas japonesas como el tanka.[11] Para comprender este fenómeno de adecuación y reajuste de los procesos de traducción de las formas y contenidos poéticos de una cultura a otra, tengamos presente que para Lotman los

textos tienden a la simbolización y se convierten en símbolos integrales. Los símbolos adquieren una gran autonomía de su contexto cultural y funcionan no sólo en el corte sincrónico de la cultura, sino también en las verticales diacrónicas de ésta. En este caso, el símbolo separado actúa como un texto aislado que se traslada libremente en el campo cronológico de la cultura y que cada vez se relaciona de una manera compleja con los cortes sincrónicos de ésta.[12]

Por tanto, en la comprensión actual del texto, éste deja de ser un portador pasivo del sentido y actúa como un fenómeno dinámico, internamente contradictorio y ése es uno de los desafíos analíticos y fundamentales de la semiótica actual. Nuestro objeto de análisis no se sustrae a esta condición, en tanto que, de acuerdo a la hipótesis inicial que hemos planteado, configura poéticamente un gran relato de la desmemoria y el horror.

El canto de las moscas (versión de los acontecimientos) nos sitúa ante textos poéticos narrativos porque el “canto” (que es la categoría tipológico-textual con que la poetisa designa a cada poema del libro) se define, en términos generales, como un subgénero poético que remite al canto épico griego y éste es, a su vez, una narración poética de un determinado suceso notable y heroico que reviste interés para un pueblo o nación. También se le ha llamado “epopeya fragmentaria” debido a los reducidos acontecimientos relacionados.

De tal suerte que, siguiendo a Lotman, el texto está naturalmente sumergido en la dinámica de traducción y recreación de la semiosfera: cada texto obtiene su “entrada” a la esfera cultural a través del contacto con otros textos y adecuándose a las necesidades expresivas de una situación concreta de producción de mensajes. Ello acontece con El canto de las moscas, pues éste es una manifestación literaria relacionada con el haikú y el canto épico griego como sustratos de la forma con que se expresa el relato de una tragedia colectiva realmente acaecida.

Así pues, el mínimo generador textual operante no es un texto aislado, sino un texto en una situación de producción cultural, un texto en interacción con otros textos en un estado de inmersión semiótica pertinente a la sensibilidad de una comunidad. Lo que es lo mismo, en palabras de Jöele De Sermet, que el lirismo en el que converge en una doble ley: pone juntos el yo y el otro, narcisismo y pulsión comunitaria, apropiación singularizante del código y compartir de la palabra.[13]

4. La violencia en la lírica colombiana

Resultan vastos los estudios críticos y con otros enfoques sobre la narrativa de la violencia en Colombia. En nuestras pesquisas bibliográficas notamos que se privilegian las tesis, monografías y ensayos sobre narrativa de la violencia en nuestro país. No ocurre lo mismo con la poesía. Sin embargo, en este primer acercamiento al estado del arte, han sido de gran utilidad dos estudios sobre novela colombiana de la violencia. Esta misma predilección existe entre los creadores de poesía: la predicación sobre las diferentes formas de violencia del siglo XX en Colombia ha sido abordada exhaustivamente por el cuento, la crónica, la novela e incluso las artes pictóricas. En el discurso lírico no ocurre lo mismo. El poeta Juan Manuel Roca escribió un vasto ensayo al respecto en el que analiza la exigua tradición de poemas que configuran el tópico de la violencia, a saber: El recluta muerto, del modernista José Asunción Silva, El 9 de abril en Colombia, del llamado poeta de las negritudes, Jorge Artel; el poema Bábega que es una evocación de los sinsabores del hombre de campo, escrito por el poeta de la Generación de Mito, Eduardo Cote Lamus; el poema Llanura de Tulúa de Fernando Charry Lara, que es una suerte de crónica en verso sobre la cercanía de la muerte y el amor; cuenta también el poema A Cali ha llegado la muerte, de Emilia Ayarza. Respecto de este último, Juan Manuel Roca afirma: “Hay allí una memoria de sangre y polvo, cuando el estallido de un camión de dinamita durante el régimen del general Gustavo Rojas Pinilla estremeció la capital del Valle de Cauca”.[14]

Otros poemas sueltos que recogen la violencia nuestra de cada día y que el canon lírico colombiano ha entronizado son: Cuestión de estadístic,a de Piedad Bonnett; Muerte dos veces, de Samuel Jaramillo; muchos textos de la obra poética de José Manuel Arango, publicados en sus libros Montañas, Este lugar de la noche y Cantiga, poemas que configuran la muerte violenta en la ciudad. Es pertinente mencionar, además, la obra en marcha de Yirama Castaño Güiza, con el poema El sueño de la otra y el libro Puerto Calcinado de Andrea Cote.

Pero quien asume como proyecto ético y estético el predicar sobre la violencia paramilitar, en un volumen poético con unidad temática, es la poeta María Mercedes Carranza a través de nuestro objeto de estudio semiótico. Ya se ha establecido que el objeto significante que constituye materia de estudio para la presente investigación es el poemario El canto de las moscas (versión de los acontecimientos, de la autora María Mercedes Carranza, poetisa colombiana nacida en 1945 y muerta en julio de 2003 por decisión propia.

La autora publicó cinco libros de poemas: Vainas y otros poemas (1972); Tengo miedo (1982); Hola, soledad (1986), Maneras del desamor (1992) y El canto de las moscas (versión de los acontecimientos[15]) (1996). Éste fue publicado por vez primera en el número CL de la revista de poesía Golpe de dados, dedicada íntegramente a la obra de la poeta. La revista celebraba 25 años de existencia y su director el también poeta, Mario Rivero, presentó a la escritora como: “la más lograda y honda poeta de hoy en Colombia”. En ese momento sólo estaban escritos 18 de los 24 cantos que finalmente estructuraron el poemario. No aparecían en esa primera edición los Cantos 3, 6, 7, 8, 13 y 22. Es decir, Tamborales, Barrancabermeja, Tierralta, El Doncello, Uribia y Miraflores. Desde su primera edición el poemario fue dedicado a Luis Carlos Galán, el político colombiano asesinado en 1989 en Soacha, Cundinamarca. Él era su amigo personal y fue jefe de la poeta, cuando ésta oficiaba como periodista en la desaparecida revista Nueva Frontera. El canto más corto es el 12, Pajaro (tres versos) y los más extensos son los cantos 11 y 24, es decir, Vistahermosa y Socha. Sobre nuestro objeto de análisis nos atrevemos a enunciar una hipótesis que apunta al origen de sus símbolos o isotopías.

5. Aproximaciones a las recurrencias semánticas en el Canto de las moscas…

María Mercedes Carranza publicó en 1982 su segundo poemario, titulado Tengo miedo. Allí aparece un texto que a continuación presentamos:

Oración
No más amaneceres ni costumbres,
no más luz, no más oficios, no más instantes.
Solo tierra, tierra en los ojos,
entre la boca y los oídos;
tierra sobre los pechos aplastados;
tierra entre el vientre seco;
tierra apretada a la espalda;
a lo largo de las piernas entreabiertas, tierra;
tierra entre las manos ahí dejadas.
Tierra y olvido.[16]

El poema Oración es el intertexto que anuncia la tierra como espacio para la vida, pero también para la muerte. Los dos primeros versos de Oración niegan la vida, así lo indica la anáfora estructurada mediante el adverbio de negación no. La vida es nacimiento (amaneceres, luz); la vida es trasegar en el tiempo (instantes); la vida es un ritual (costumbres, oficios). Pero toda ella es negada y a cambio se pide la muerte. Muerte configurada en la metáfora Tierra y olvido en la simbología de El canto de las moscas. Allí está el intertexto que anuncia los tópicos de la tierra como espacio para la vida, pero también para la muerte y el olvido.

Desde el título ( Oración) se anuncia una petición de muerte en la anáfora de los versos 5, 6 y 7. La tierra constituye una isotopía en El Canto de las moscas. La isotopía de la tierra como escenario de muerte. Así en el canto 5, Encimadas, la tierra es escenario del terror; en el canto 7, Tierralta, la tierra es tumba para el amor; en el canto 10, Amaime, la tierra es sepultura para los sueños; en el canto 13, Uribia, la tierra es espacio de anulación total; en el canto 17, Pore, la tierra es espacio abonado por la muerte; en el canto 18, Paujil, la tierra es germen de la muerte y el canto 21, Taraira, es quizás la reelaboración del intertexto Oración, porque allí, el verso final, es recurrente, confirmando el campo semántico de la tierra como espacio de germinación vida y como estación de la muerte.

Beristáin precisa que a la vez que se construye el discurso se desarrolla una línea de significación que se constituye la finalidad del mismo, la cual se configura por la reiteración de los rasgos semánticos pertinentes o semas (unidades mínimas de significación) que en el transcurso del texto se van asociando. Esta asociación construye una red sintagmática de relaciones llamadas anafóricas y éstas, al vincular una oración con otra, dentro del campo isotópico, garantizan su coherencia temática.[17] Greimas tomó el término isotopía de la físico-química y lo trasladó al campo semántico. Gracias a este concepto, se puede ver que los textos enteros se encuentran en niveles semánticos homogéneos. Greimas habla de isotopía del corpus y de las variaciones individuales.[18] Ahora bien, las isotopías se dan tanto en el plano de la expresión como en el del contenido: y ellas pueden aparecer en cualquier nivel del texto. En el nivel fonológico hay asonancia, aliteración y rima; en el sintáctico, concordancia por redundancia de rasgos o funciones; en el nivel semántico, equivalencia de definición, triplicación narrativa. De ahí la posibilidad de una estilística de las isotopías.[19]
Realicemos una aproximación parcial a las isotopías de nuestro corpus.

La identidad: Esta isotopía está determinada por los antetítulos y los títulos. Los antetítulos de cada poema remiten al canto épico griego que narra un suceso de interés para un colectivo. Los títulos temáticos nombran veredas y pueblos de un país específico: Colombia, donde hubo anhelos, alegrías y belleza. Así, Miraflores es la metáfora “Cementerio de sueños”, Ituango es la metáfora “El cadáver de la risa”, Amaime es la imagen de” los sueños se cubren/ de tierra/”.

Entre el olvido y la memoria: Esta isotopía está determinada por la dedicatoria al amigo muerto; sitúa al lector en el contexto del olvido en el cual subyace la necesidad de perdurar:
es una fecha, en el sentido de que se convirtió en un dato que establece la inexistencia, pero inaugura la inmersión en un nuevo orden (Mapiripán); alguien sueña es un pronombre indefinido, por lo tanto no es, pero la negación lleva implícita la existencia de un ser que soñó (Tamborales); alguien cae es el olvido representado por la muerte (El Doncello) y sus calles de aire no se ve, es la transparencia en el canto Humadea.

El silencio. Nos aventuramos a deducir que la gran isotopía del silencio es la página casi blanca por la brevedad de cada poema. El hermetismo y lo apretado del lenguaje dan como resultado poemas que no pasan de siete versos y que en su mayoría poseen tan sólo cuatro.
Poemas lápidas o epitafios que dicen sin decir porque “el texto no puede ser nunca un punto final, él hace eco del mundo”[20] y la mesura de éstos manifiesta en la estructura de inscripción sepulcral configura un silencio que habla de la tragedia acontecida.

La naturaleza denuncia la muerte. Un pájaro negro es el único sobreviviente de Soacha; tierra y olvido son la conformidad ante la inminencia mortuoria de Taraira; /El viento ríe la ironía del ser que ya no es en Ituango; Difunta blancura es la muerte en paz de las nubes, únicos testigos en Sotavento. En las corolas/ (…) las bocas /de los muertos se tiene el ciclo de la vida que se completa en Paujil. La muerte: / carne de la tierra sería la metáfora de la muerte en Pore. También completa el ciclo la expresión ríos rojos, portadores inermes de muerte en Humadea. Lluvia y silencio: la lluvia entristece y calla, ella que siempre canta en Confines.

Esta inicial aproximación (no exhaustiva y que requiere de mejores explicaciones y demostraciones) a nuestro corpus la presentamos con el fin de justificar la selección del mismo para ser convertido en un objeto de análisis semiótico. De esta aproximación podemos plantear algunas hipótesis: la cultura de la violencia colombiana puede caracterizarse como una forma de vida específica, cuyos rasgos resultan del análisis semiótico de cada texto poético de El canto de las moscas (versión de los acontecimientos), en el que puedan identificarse sistemas axiológicos más o menos consecuentes con caracterizaciones de un sujeto lírico en relación a un nosotros (alteridad). Lo anterior se hace aún más evidente al plantear la hipótesis de considerar cada canto del poemario como un micro relato que hace parte del gran relato de la violencia oculta subyacente en nuestro objeto de estudio.

6. Mapiripán

En el canto 2, Mapiripán, tenemos una muestra represenativa de la organización y manifestación enunciativa de todo el poemario de Carranza. Este poema breve está constituido por cuatro versos de arte menor, de 4, 3, 7 y 4 sílabas:

Quieto el viento,
el tiempo.
Mapiripán es ya
una fecha.

Hay una asonancia rítmica en los dos primeros versos pues ambos terminan en la vocal “o”. Esta misma asonancia se repite en los dos últimos versos, pues ambos terminan en la vocal a. Como muchos de los cantos del poemario, posee una forma poética predominantemente nominal: abundan los sustantivos (viento, tiempo, Mapiripán, fecha). Aparece además el adjetivo calificativo Quieto que inicia el poema. Sólo tiene un verbo de estado o copulativo, el verbo es (ser).

El primer verso inicia con el adjetivo Quieto que recae sobre los sustantivos viento y tiempo. En Mapiripán el viento y el tiempo no tienen o no hacen movimiento, son sosegados, sin turbación o alteración. Ello nos lleva a presuponer que antes del estado presente (quietud) hubo un movimiento precedente (un “antes” supuesto por el poema). El tercer verso está estructurado sintácticamente por un nombre propio: Mapiripán (sujeto), un verbo copulativo o verbo de estado es (ser) y el adverbio de tiempo ya que, situado en un tiempo presente, crea una relación con el pasado: es ya. Aquí nos preguntamos: si hoy Mapiripán es una fecha, entonces ayer, ¿qué fue? El verbo copulativo es el nexo que funda la metáfora de la muerte: Mapiripán ayer fue vida, hoy es muerte, esto es, una fecha. Sin embargo convertirse en una fecha supone ser un dato que implica nacimiento defunción. Tenemos entonces, adentrándonos en el plano del contenido que Mapiripán, en tanto población, es un sujeto que por un proceso de transformación pasa a un estado de disyunción con el movimiento (vida) y a un estado de conjunción con un dato de referencial sobre la finitud de un ciclo o de la vida. Algo sucede o sucedió al sujeto Mapiripán. Creemos que el énfasis se pone más sobre permanencia (es) que ha sido suscitada o provocada por un cambio horroroso que no se menciona.

Antes de estancarse, el viento que es “aliento de vida”, según la predicación judeo-cristiana: “Entonces Jehová Dios formó del polvo de la tierra, y sopló en su nariz Aliento de vida, y fue el hombre un ser viviente”[21] que corría libre, sin amenaza. Si bajo esta concepción el viento movimiento, dinamismo, respiración, vida, y en Mapiripán el viento está quieto, entonces la vida dejó de ser y lo que es (o permanece de esta población) es sólo una fecha, esto es, un dato de defunción, de modo que el poema aparece, bajo esta luz, como la inscripción en una lápida: Mapiripán es un epitafio que testimonia la tragedia acaecida.

En un cuadrado semiótico, el sistema de valores que corresponde a este poema estaría asociado a la idea de Martín Heidegger, el tiempo: “Sólo existe como consecuencia de los acontecimientos que tienen lugar en el mismo”.[22] En Mapiripán ocurrió algo que lo detuvo y que transformó a esta población de Colombia en una fecha. Si el viento es transcurrir de hechos y aquí está quieto, pues entonces ocurre su opuesto: la nada (no ser, carencia absoluta), podemos enunciar:

Vida
(Mapiripán antes)
Movimiento(acontecer en el tiempo)

Quietud
(muerte, detención del devenir)

Muerte
(Mapiripán ahora)

Activación
(del movimiento)

Interrupción
(del movimiento)

El tiempo es, además, siguiendo a Heidegger, un desarrollar cuyos estadios guardan entre sí la relación de un antes y un después. En Mapiripán subyace una anterioridad y una posterioridad: Mapiripán se convirtió en una fecha. ¿Qué es el ahora?, se pregunta Heidegger: ¿Está el ahora a mi disposición? ¿Soy yo el ahora? ¿Es cualquier otra persona el ahora? Si yo y otra persona es el “ahora”, yo soy el tiempo, y si éste quedó quieto, los demás y yo hemos muerto. El tiempo también es memoria. El poema de Carranza es una marcación de un hito contra el olvido: si hay quietud, al menor existe un epitafio contra el olvido que caracteriza al modo de ser del colombiano. Mapiripán emerge, así, como una develación, una marca ritual y poética de la violencia que hace desaparear la vida y la cultura de una organización sociocultural. El poema predica una violencia ocultada.

A nuestro parecer El canto de las moscas (versión de los acontecimientos), constituido por veinticuatro brevísimos poemas, en los que cada canto lleva el nombre de una población colombiana víctima de una masacre, es un revés poético al olvido y a la desmemoria colectivos; a la complicidad de políticos y citadinos aburguesados; a la complicidad de una prensa daltónica, pero ante todo, a la incapacidad de la sociedad colombiana para impedir el avance de la podredumbre. Es en este momento histórico de nuestro país, cuando la poesía de María Mercedes Carranza asume desde la estética un proyecto ético que constituirá nuestro objeto de análisis semiótico.

Bibliografía

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GREIMAS, A.J. y otros. Ensayos de Semiótica poética. Barcelona: Planeta, 1976.

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LOTMAN Iuri M. La Semiosfera I Semiótica de la cultura y del texto. Madrid: Frónesis & Cátedra, 2000.

MUKAROVSKY, Jan, Jarmila Jandiva y Emil Volek. Signo, función y valor: estética y semiótica del arte. Santafé de Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, Plaza & Janés, Colombia, 2000.

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RABATÉ, Dominique. Consideraciones sobre el sujeto lírico. París: PUF. Paris, 1996.

RICOEUR, Paul. La Metáfora viva. Madrid: Ediciones Cristiandad., 2001.

RICOEUR, Paul. Tiempo y Narración. Tomo I. Madrid: Ediciones Cristiandad, 1987.

RICOEUR, Paul. Tiempo y Narración. Tomo II. Madrid, Cristiandad, 1987.

ROCA, Juan Manuel. “Poesía y violencia en Colombia”, en Revista Casa Silva, No. 15: Alzados en almas. Bogotá, 2002.

SISSON, Michael. María Mercedes Carranza en inglés. Perspectiva de un traductor. Ohio University, 2008.

[1] Estudiante de Maestría en semiótica, Universidad Industrial de Santander.
[2] MUKAROVSKY Jan, Jarmila Jandiva y Emil Volek. Signo, función y valor: estética y semiótica del arte. Santafé de Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, Plaza & Janés, Colombia, 2000.
[3] Ibíd.
[4] RICOEUR, Paul. Tiempo y Narración. Tomo I. Madrid: Ediciones Cristiandad, 1987.
[5] RICOEUR, Paul. La Metáfora viva. Madrid: Ediciones Cristiandad., 2001.
[6]CARRANZA, María Mercedes. El canto de las moscas (versión de los acontecimientos). Barcelona: Nuevas ediciones de bolsillo, 2001, Canto 2.
[7] SISSON, Michael. María Mercedes Carranza en inglés. Perspectiva de un traductor. Ohio University, 2008
[8] CORRALES, Vasco Luis. http://www.elrincondelhaiku.org/sec1php
[9] PAZ, Octavio. El arco y la Lira, Fondo de Cultura Económica, Bogotá, 1998.
[10] Ver la producción de poetas como Jorge Luís Borges, Octavio Paz, José Juan Tablada, entre otros.
[11] El tanka es un tipo de poesía tradicional japonesa Consta de cinco versos de 5-7-5-7-7 sílabas. Hace más de 1400 años que se registraron los primeros tanka. Según algunos autores, su principal utilidad era la de transmitir mensajes secretos entre amantes; una pequeña síntesis matutina de lo que una tempestuosa noche de sexo había representado para el autor, como queriendo éste volver a las maneras y palabras del cortejo, algo así como una nota de agradecimiento al proveedor de tan carnales placeres. Se enviaban escritos en un abanico, o amarrados a una flor en botón, y eran entregados en propia mano por un mensajero.

[12] LOTMAN Iuri M. La Semiosfera I Semiótica de la cultura y del texto. Madrid: Frónesis & Cátedra, 2000.
[13] DE SERMET Jöele. “¿A quién se dirige el poema?”, en RABATÉ, Dominique. Consideraciones sobre el sujeto lírico. París: PUF. Paris, 1996.

[14] ROCA, Juan Manuel. “Poesía y violencia en Colombia”, en Revista Casa Silva, No. 15: Alzados en almas. Bogotá, 2002.
[15] Éste contiene veinticuatro poemas breves que predican y configuran la fábula de la desmemoria y el horror acaecida en Necoclí (Antioquia), Mapiripán (Meta), Tamborales (Cauca), Dabeiba (Antioquia), Encimadas (Caldas), Barrancabermeja (Santander), Tierra Alta (Córdoba), El Doncello (Caquetá), Segovia (Antioquia), Amaime (Valle), Vista Hermosa (Meta), Pájaro y Uribia (Guajira), Confines (Santander), Caldono (Cauca), Humadea (Meta), Pore (Casanare), Paujil (Caquetá), Sotavento (Córdoba), Ituango (Antioquia), Taraira (Vaupés), Miraflores (Gauviare), Cumbal (Nariño) y Soacha (Cundinamarca).

[16]CARRANZA, María Mercedes, “Métale cabeza”, en: Poesía completa y cinco poemas inéditos. Bogotá: Alfaguara, 2004, p. 70.
[17] BERISTÁIN, Helena. Diccionario de retórica poética. México: Porrúa, 1985
[18] GREIMAS, A. J. Ensayos sobre semiótica poética. Barcelona: Planeta, 1976.
[19] RASTIER, François. “Sistemática de las isotopías” en: Greimas, A.J. y otros. Ensayos de Semiótica poética. Barcelona: Planeta, 1976, p. 110.
[20] RICOEUR, Paul. Tiempo y Narración. Tomo II. Madrid, Cristiandad, 1987
[21] Génesis 2: 7
HEIDEGGER, Martín. El concepto del tiempo. Madrid: Trotta, 1999.

2008-04-06T08:41:00.000-07:00

TODO LO QUE QUIERO ES UN BALCÓN PROPIO

Un balcón propio
Con persianas de madera
Y cortinas fragantes
Para ver a las mujeres lindas
Pasear su tristeza maquillada
Y a las mujeres feas
Conformes con su andar
Y amargadas con su sal.
Un balcón con persianas de madera
Para ver a los hombres cansados
Con el peso del amor inexpresado.
Un balcón propio
Para ver la mecedora balancearse en la luna
Y las redes aferrarse al azulejo
Y al asesino pasear con los bolsillos
Plenos de dinero adolorido.
Todo lo que quiero es un balcón propio
Para descorrer la lluvia
Y encarcelar al aire
Y acariciar la gota que se amañó
En la hoja del almendro
Y soportar a distancia
La lucha del hombre con el ancla;
Y sonreir con la dejadez
Del que sólo espera la noche y el bocado.
Y una tarde sin premura
Tomar tu dulce mano pequeña
Tocar como ciega tus ojos punzantes
Saborear tu sonrisa confiable
Y dibujarle a la noche
Los colores del escándalo.

Tomado del libro LOS LUGARES COMUNES

2008-04-01T19:03:00.001-07:00

LEER POESÍA CON NIÑOS Y JÓVENES EN TIEMPOS INCIERTOS

2008-03-29T18:48:00.000-07:00

LEER POESÍA CON NIÑOS Y JÓVENES EN TIEMPOS INCIERTOS

Por: BEATRIZ VANEGAS ATHÍAS
Del Taller de lectoescritura SARA MALACARA

Cuenta el escritor uruguayo Eduardo Galeano, que cuando era niño su abuela le contó la fábula de los ciegos y el elefante: “Estaban los tres ciegos ante el elefante. Uno de ellos le palpó el rabo y dijo:
-Es una cuerda.
Otro ciego acarició una pata del elefante y opinó:
-Es una columna.
Y el tercer ciego apoyó la mano en el cuerpo del elefante y adivinó:
-Es una pared.
Y remata el relato Galeano con una reflexión-moraleja: “Así estamos: ciegos de nosotros, ciegos del mundo. Desde que nacemos, nos entrenan para no ver más que pedacitos. La cultura dominante, cultura del desvínculo, rompe la historia pasada como rompe la realidad presente; y prohíbe armar el rompecabezas”.

¿Cuál rompecabezas? El de la vida más allá de las apariencias. La poesía, que es la voz del pueblo, pero también la lengua de los escogidos, ayuda a todos a armar el rompecabezas. Porque en ella caben todo tipo de seres y discursos, por eso es revolucionaria por naturaleza. Escribir, pero más aún, leer poesía, es un método de liberación interior.
En estos tiempos tristes y apresurados, allí, en el salón de clases, cuando ustedes chicos y chicas les importa todo y les importa nada, es urgente que ocurra el reencuentro con el poema, para que no crezcan convencidos que la vida es tan delgada como una cuerda; o tan gruesa como una columna o tan cuadriculada como una pared.
La poesía entonces, puede ofrecernos las piezas para armar el rompecabezas de nuestro ser cuando es irreverente y juguetona como en este poema del escritor mexicano RICARDO CASTILLO, titulado Las nalgas: La mujer también tiene el trasero dividido en dos
Pero es indudable que las nalgas de una mujer/ son incomparablemente mejores que las de/ un hombre, / tienen más vida, más alegría, son pura imaginación;/ son más importantes que el sol y dios juntos,/ son un artículo de primera necesidad que no afecta/ la inflación,/ un pastel de cumpleaños en tu cumpleaños,/ una bendición de la naturaleza,/ el origen de la poesía y el escándalo./”
La poesía nos ayuda armar el rompecabezas, cuando el poema se convierte en un caracol en donde resuena la música del mundo, la música del mundo que es el amor, como en este bello texto del creador colombiano RAÚL GÓMEZ JATTIN: Por no poder hablarte/ le hablaba de ti al mar/ Y el mar me respondía/ el eco de tu nombre/ Tu nombre que era el nombre/ que mi dolor tenía/.
La poesía, queridos amigos, puede aportarnos la serenidad y la pausa que nos hace insensibles ante el dolor de tanto colombiano. Y esta serenidad nos la brindan textos poéticos como el haikú japonés o el poema de corta extensión, pero de profunda intención como este, del japonés SOIN: Si cantara/ la mariposa/ quizá tuviera que sufrir/ en una jaula/; o esta dura lección a través de la cual el poeta FERNANDO ARBELÁEZ nos invita a valorar la vida, hoy que no vale nada. Lección: Un pez no sabía/ qué era el agua/ al preguntar/ el pez más sabio/ le respondió/ si quieres saber/ qué es el agua/ sal de ella/.
Pero la poesía es también juego, es sátira, picardía, ingenio, como la vida. Y allí están los epigramas y las greguerías, ésas definiciones sorprendentes y juguetonas de algún aspecto de la realidad, cuyo máximo creador fue el poeta español RAMÓN GÓMEZ DE LA SERNA. Qué mejor poesía para mostrarnos lo que no vemos porque no queremos o porque no nos han enseñado a ver:
El niño intenta extraerse las ideas de la nariz.
El arco iris es la cinta que se pone la naturaleza después de haberse lavado la cara
La jirafa es un caballo alargado por la curiosidad.
· ¿Y si las hormigas fuesen ya los marcianos establecidos en la Tierra?
· La gallina está cansada de denunciar en la comisaría que le roban los huevos.
La prisa es lo que nos lleva a la muerte.

Ahí está el poema para mostrarnos ésa otra versión de la realidad que el Internet o la televisión nos muestra maquillada. Ahí está el poema crónica que nos cuenta historias de los seres visitados por el terror. Seres que pasan ante nuestros ojos como si fueran los personajes de una película de Stallone, Bruce Willis o Arnold Schwarzenegger, pero en verdad hacen parte del cementerio de olvidos en el que se ha convertido Colombia gracias al lenguaje de la violencia que nos cuenta la poeta polaca, WISLAWA SZYMBORSKA en su crónica poética “Un terrorista: él observa”: La bomba explotará en el bar a las trece veinte./Ahora apenas son las trece y dieciséis./ Algunos todavía tendrán tiempo de salir./ Otros de entrar./ El terrorista ya se ha situado al otro lado de la calle./ Esa distancia lo protege de cualquier mal/ y se ve como en el cine:/ Una mujer con una cazadora amarilla: ella entra./ Un hombre con unas gafas oscuras: él sale./ Unos chicos con vaqueros: ellos están hablando./ Trece diecisiete y cuarenta segundos./ Una niña: ella va andando con una cinta verde en el pelo./ Sólo que de repente ése autobús la tapa./ Trece dieciocho./ Ya no está la niña./ Habrá sido tan tonta
para entrar, o no,/ eso ya se verá cuando ya vayan sacando./ Trece diecinueve./ Y ahora como que no entra nadie./ En vez de entrar aún hay un gordo calvo que sale./ Pero parece que busca algo en sus bolsillos y/ a las trece veinte menos diez segundos/ vuelve a buscar sus miserables guantes./ Son las trece veinte./ Qué lento pasa el tiempo./ Parece que ya./ Todavía no./ Sí, ahora./ Una bomba: la bomba explota”.

Dice el poeta cubano José Martí que la libertad “es el derecho que todo hombre tiene a ser honrado y a pensar y a hablar sin hipocresía”. En esta mañana, haremos un ejercicio de libertad, leyendo antipoemas, enamorándonos con poemas de amor; serenándonos con esos trocitos de tiempo llamados haikú; ejerciendo la crítica mordaz y el derecho a reír con greguerías, artefactos y epigramas y enterneciéndonos con historias poéticas.

La antipoesía: una versión más humana de la vida

Para un antipoeta la poesía es “un artículo de primera necesidad”. Para un antipoeta, “El poeta es un hombre como todos/ Un albañil que construye su muro: Un constructor de puertas y ventanas”. Los antipoetas –ya lo dijo el creador chileno NICANOR PARA- conversan “En el lenguaje de todos los días” y están ahí para que el árbol no crezca torcido, por eso el nadaista EDUARDO ESCOBAR escribió el siguiente antipoema contra la corrupción política: Envío: Que mi hijo sea/ sensato/ inteligente/ y honrado/ Así / nunca / será/ ministro/.

Los antipoetas denuncian “Al poeta Ratón de Biblioteca”. Ellos piden, con todo respeto que todos estos señores sean procesados y juzgados por construir castillos en el aire. “Por malgastar el espacio y el tiempo/ Redactando sonetos a la luna/…” Los antipoetas afirman con hechos y poemas que “El pensamiento no nace en la boca/ Nace en el corazón del corazón”. La antipoesía, para decirlo con palabras de Roberto Montes Mathieu, es “la poesía libre de ornamentos inútiles, menos estéril, más comunicativa y útil, interesada en el hombre y su realidad”

El amor que se describe en los antipoemas es cotidiano y real, leamos este antipoema del autor colombiano JOSÉ LUIS GARCÉS GONZÁLEZ, Poema de la ingenuidad: “Desde el silencio del hotel/ oigo a una mujer bella/ que se baña en el cuarto del lado., / Oigo el agua que resbala/ por su cuerpo desnudo,/ y yo no puedo verla./ Oigo que habla con un hombre/ y lo llama ‘papito’./ El agua continúa cayendo7 por su cuerpo desnudo,/ y yo lo imagino blanco,/ carnudo,/ con tres picadas de mosquitos en las nalgas/ y dos pecas en los senos semirrectos./ Pregunta por el champú/ y el hombre responde desde la cama./ Luego hay silencio/ y yo dejo paralizado mis ojos./ ¿Qué pasará?, me pregunto/ como enamorado tonto./ Después,/ suena el agua del inodoro/ y yo recuerdo/ que las mujeres bellas/ también tienen excrementos/.

El antipoeta muestra situaciones que no concuerdan con la moral y las buenas costumbres. Él escribe sobre el amor, desmitificándolo y para ello emplea el humor, el sarcasmo a tal punto que las posibilidades de este sublime sentimiento no se limitan a las tradicionales relaciones. Ahí está Raúl Gómez Jattin, recordándonos que el primer amor de muchos hombres en la Costa Caribe colombiana es la popular “María Casquito”, en el ya célebre antipoema Te quiero burrita: Porque no hablas/ ni te quejas/ ni pides plata/ ni lloras/ ni me quitas un lugar en la hamaca/ ni te enterneces/ ni suspiras cuando me vengo/ ni te frunces/ ni me agarras/ Te quiero ahí sola/ como yo/ sin pretender estar conmigo/ compartiendo tu crica/ con mis amigos/ sin hacerme quedar mal con ellos/ y sin pedirme un beso/.

Ahí está también el gran poeta mexicano JAIME SABINES, con su duro pero real antipoema que refleja el cansancio de la pareja cuando ya la relación ha perdido el encanto del enamoramiento: “Hay un modo…: Hay un modo de que me hagas completamente feliz, / amor mío: muérete.”.

Es la antipoesía una versión más humana de la vida porque en ella encuentran su espacio el mendigo, el obrero, el reciclador y el desplazado. Gracias a la antipoesía podemos palpar la identidad del hombre y la mujer en ella descrito, con sus miserias, sus alegrías, sus mentiras, sus sueños, sus problemas y también su particular manera de amar y ser amado. Es la antipoesía, un texto social que nos acerca al dolor humano:
El bicho: Ayer vi un bicho/ en el basurero del patio/ buscando comida entre los desechos. / Cuando encontraba algo/ no examinaba ni olía: / Tragaba con voracidad. / El bicho no era un perro, / no era un gato, / no era un ratón. / El bicho, Dios mío, era un hombre. /”.

Por ello la antipoesía exige lectores libres de tabúes, que no se sonrojen. La sátira y el realismo empleados por el antipoeta necesitan un lector que tenga las ganas de saber a quién va dirigida la crítica. Un lector sincero que esté dispuesto a reír y convencerse que el humor es posible en poesía y que ella no se limita a los poemas románticos, a las lágrimas o a los versos poco entendibles. Comparto con ustedes los siguientes antipoemas o artefactos, creados por el poeta chileno NICANOR PARRA:
“USA/ donde la libertad es una / estatua”.
Aquí se compran y se venden/ países: Washington.

Estos artefactos tienen el tono crítico del discurso de la caricatura. Emplean, al igual que la caricatura, un lenguaje coloquial y cotidiano y son sus armas o recursos esenciales la ironía, el sarcasmo y el humor. Como Aleida, la irreverente y feminista creación del caricaturista colombiano Vladdo, quien cuestiona ácidamente a las relaciones de pareja de este siglo que apenas comienza:
No hay nada más pesado que un tipo “Light”.
De novios son supersónicos; casados son supercínicos.
En un abrir y cerrar de ojos, el hombre de los sueños se puede convertir en el tipo de las pesadillas.
¿Por qué será que los tipos son tan inteligentes para hacerse los brutos?
El perro es el mejor amigo del hombre (es obvio)

La inmensa versión de la vida que es el poema breve

Hoy es el tiempo del Messenger, de los mensajes súper abreviados. Cómo nos encanta hablar, pero por celular. Poco tiempo queremos emplear en consultas extensas. Hoy es el tiempo de: mire el título, copie, corte y pegue. Vemos sin ver. Andamos llenos de datos, pero llenos de vacío. Creo que la poesía breve -que también encontramos por montones en Internet- puede ser una clave para desintoxicar nuestros atrofiados sentidos. El poema breve llamado haikú, creado por los orientales, nos puede ayudar a ver como en este del poeta Yossa Busson: Un aguacero/ se agarran a las / yerbas/ los gorriones” o éste , también de Busson: No me alojaron/ vi luces y en la nieve/ casas en fila/”.

Estos haikús o “trocitos de tiempo”, encierran belleza, lucha, alegría y serenidad. Sobre todo serenidad, ése comportamiento que hoy se encuentra en vías de extinción. Y con serenidad e imágenes olfativas, visuales, gustativas, táctiles y auditivas, lo japoneses han logrado que las cosas hablen por sí mismas.

Para nombrar la soledad, este del poeta Issa: Mi casa en ruinas/ sólo tiene por techo/ la enredadera. Para decir la lucha de hombres y mujeres éste de la mexicana Olga Arias: Contra el destino/ mis ilusiones/ ¡Qué aves tan poderosas!. Para mostrar la ausencia, hermoso es el haikú del poeta argentino Carlos Spinedi: El mar anega/ el hueco que tu pie/ dejó en la playa/. Para invitarnos a ver el dolor humano, pero también el coraje, éste del poeta Ritsurin Issekiro: Mientras lo corto/ veo que el árbol tiene/ serenidad.

Poesía breve para reír, sobre todo si se trata de las greguerías, que al decir de su creador, el poeta español Ramón Gómez de la Serna son “algo que no nos pone tristes, cabezones, pesarosos, ni malhumorados, porque el escribirlas el autor juega, tira su cabeza a lo alto, y después las recoge. He aquí una mini antología de greguerías del maestro Gómez de la Serna:
Los profesores son como los chicles baratos: difíciles de mascar.
El sombrero es la tapa de las ideas.
El sapo se sabe tan feo que sólo sale en la noche.
Prefiero las máquinas de escribir usadas porque ya tienen experiencia y ortografía.
La muerte es hereditaria.
La medicina ofrece curar dentro de cien años a los que se están muriendo ahora mismo-

En fin, poesía breve como un hallazgo mínimo, un profundo pensamiento, una emoción sutil expresada en forma concisa que, como el chiste no puede, ni debe ser explicado porque pierde su encanto. Poemas breves cuyos remates son inesperados y sorpresivos como una cachetada:
Días como agujas de Juan Manuel Roca: Estoy tan solo, amor, que a mi cuarto/ sólo sube, peldaño tras peldaño/ la vieja escalera que traquea/-
La noche no es la misma/ desde que se cambió una estrella/ por la luz de un neón./ Desde entonces no hay rostros,/ sólo máscaras/” de Beatriz Zuluaga.

Poemas cuyo final es un golpe al mentón porque con pocas palabras nos dicen mucho:
Canción cubana
¡Ay, José, así no se puede!
¡Ay, José, así no sé!
¡Ay, José, así no!
¡AY, José, así!
¡Ay, José!
¡Ay! Del cubano Guillermo Cabrera Infante. O como este epigrama del poeta nicaragüense Ernesto Cardenal: La persona más próxima a mí/ eres tú, a la que sin embargo/ no veo desde hace tanto tiempo/ más que en sueños. Disfrutemos esta pequeña antología de poemas breves que tratan sobre la injusticia de la guerra y el dulce veneno del amor:
Seamos lógicos
Si se afirma con tanta insistencia que en una
guerra la batalla final es la mejor, yo no me
explico porqué diablos no se suprimen las
otras. O hay lógica o no hay lógica.
Luis Vidales ( colombiano)

Contraofensiva
Si a uno
le dan
palos de ciego
la única
respuesta eficaz
es dar
palos
de vidente. Mario Benedetti (uruguayo)

Poema de amor 14: Sé que el amor no existe/ y sé también/ que te amo/. Darío Jaramillo Agudelo.

La sabrosa poesía amorosa

Y hemos llegado a la poesía amorosa, la más cantada y la más conocida. El amor, el desamor y la soledad que van de la mano y a los que hasta el cansancio los poetas le han escrito. El amor, la unión de dos soledades que se respetan, al decir de Rilke, ése sentimiento que nos diferencia de las bestias o que en ocasiones nos asemeja a ellas. El amor que causa insomnios Tu nombre de Jaime Sabines:
Trato de escribir en la oscuridad tu nombre. Trato de
escribir que te amo. Trato de decir a oscuras esto. No
quiero que nadie se entere, que nadie me mire a las
tres de la mañana paseando de un lado a otro de la
estancia, loco, lleno de ti, enamorado. Iluminado,
ciego, lleno de ti, derramándote. Digo tu nombre con
todo el silencio de la noche, lo grita mi corazón
amordazado. Repito tu nombre, vuelvo a decirlo, lo
digo incansablemente, y estoy seguro que habrá de
amanecer.

Es este el amor propio de las tragas malucas, amor desesperado que en ocasiones es también juguetón y atrevido como en el poema Amémonos del nadaista Elmo Valencia:
Amémonos
¡Ha llegado el verano!
¡Amémonos!
En el invierno, no tenemos muchas posibilidades.
El Magdalena, arrastra tus senos. El Cauca, mi
ombligo.
El Orinoco, tus deseos. El Amazonas, mi lengua.
Podemos amarnos frente a un espejo que el espejo no dirá
nada.
O frente a un televisor encendido con TV. Cable
y la Pantera Rosa en la Pantalla.
La Pantera tampoco dirá nada.
Si un gato nos mira, amémonos. Y si no nos mira,
qué vamos a hacer, también amémonos.
El absurdo nos da pie para que nos amemos.
Recuerda: el mundo está loco. Y si no lo está, con mayor
razón amémonos.
Amémonos al pie de un verso surrealista.
Al pie de un volcán sacando chispas.
Al pie de un ejército de pájaros.
Al pie de tus zapatos viejos.
Al pie del cañón.
Al pie de la letra de una canción de los Vétales.
Al pie de un reloj despertador porque el polvo del amor
tiene un sueño profundo.
Amémonos cerca del aeropuerto viendo pasar los
aviones
que no sabremos si van o vienen porque estaremos
desnudos
con los cuerpos ardiendo.
En fin, amémonos hoy jueves
porque mañana lunes es imposible.

Pero este amor alocado y desaforado también es tocado por la nostalgia y la distancia, cuando la tristeza se empeña en construir su casa en nuestro interior porque el ser amado decide no estar, es entonces cuando la poesía da su hermosa versión del amor triste, como un Romance de ciudad y lluvia de la colombiana Patricia Iriarte:
Ahora es la una y veinte de la tarde y llueve con ganas,
como casi nunca llueve en Bogotá. Me gustaría estar contigo,
aquí o enfrente de cualquier ventana, mirando esta persiana
de agua que se descuelga sobre la ciudad. Me gustaría mirarla
abrazada a ti, para conjurar esta nostalgia y el frío que viene
siempre con las tardes lluviosas.

Llueve con ganas, y mientras la ciudad se deja querer
por el agua, yo me muero de ganas de quererte y de cubrirte
de besos húmedos. De miles y miles de besos que caigan
sobre ti, como aguacero.

Y está el amor inolvidable, cantado por el mejor poeta del amor que tiene Colombia que es, sin duda, Darío Jaramillo Agudelo, quien en su libro Poemas de amor , escribió el siguiente poema que da cuenta de la imposibilidad de olvidar a ése amor que ha marcado nuestro ser.
Poema de amor 2
Podría perfectamente suprimirte de mi vida.
no contestar tus llamadas, no abrirte la puerta de la casa,
no pensarte, no desearte,
no buscarte en ningún lugar común y no volver a verte,
circular por calles por donde sé que no pasas,
eliminar de mi memoria cada instante que hemos compartido,
cada recuerdo de tu recuerdo,
olvidar tu cara hasta ser capaza de no reconocerte,
responder con evasivas cuando me pregunten por ti
y hacer como si no hubieras existido nunca.
Pero te amo.

Así es: la ama o lo ama. El amor cuando no se puede olvidar o se convierte en solidario, punto de apoyo, ayuda, amistad, se vuelve una Táctica y estrategia:
Mi táctica es/ mirarte/ aprender cómo sos/ quererte como sos/ mi táctica es/ hablarte y escucharte/ construir con palabras/ un puente indestructible/ mi táctica es/ quedarme en tu recuerdo/ no sé cómo ni sé/ con qué pretexto/ pero quedarme en vos/ mi táctica es/ ser franco/ y saber que sos franca/ y que no nos vendamos/ simulacros/ para que entre los dos/ no haya telón/ ni abismos/ mi estrategia es / en cambio/ más profunda y más/ simple/ mi estrategia es/ que un día cualquiera/ no sé cómo ni sé/ con qué pretexto/ por fin me necesites.
Esperar que el otro o la otra nos necesite es el sueño, la utopía de los amorosos. Porque los amorosos están “solos, solos, solos,” y quién mejor que Jaime Sabines para decirnos quiénes son los amorosos. : Los amorosos: Los amorosos callan. / El amor es el silencio más fino,/ el más tembloroso, el más insoportable./ Los amorosos buscan,/ los amorosos son los que abandonan,/ son los que cambian, los que olvidan./ Su corazón les dice que nunca han de encontrar,/ no encuentran, buscan/. Sí, todos en algún momento de nuestra vida hemos sido amorosos en el sentido que describe el poeta Sabines. La vida está hecha de seres amorosos que a diario olvidamos a quien nos ama; o lo buscamos o lo cambiamos por otro u otra que creemos nos amará mejor.

El encanto de la poesía narrativa

¿Qué fue primero el canto, es decir, la poesía ; o el cuento, es decir, la narrativa?. Creo que ni lo uno ni lo otro fue primero: nacieron al tiempo. Así que primero fue el canto contado. La original poesía fueron narraciones heroicas escritas en verso. Homero contó las glorias y miserias de su pueblo griego en La Ilíada y La Odisea. Nuestros indígenas cantaron su forma de vida a través del mito poético. Al principio no había diferencia entre ser poeta y ser filósofo. El mundo se contaba en verso, con fábulas, poemas que narraban lo que ocurría en cada pueblo, valle, estancia. Por eso los aedas y juglares. La poesía era la crónica de los pueblos. La radio que contaba con encanto las buenas y las malas nuevas.

Por eso no nos sorprenden las fábulas. Por eso, en ocasiones hay más poesía en un cuento que en un texto escrito en verso. Por eso muchos poetas, en cada siglo de la historia han escrito poemas líricos, pero también heroicos y narrativos. Poemas que son una crónica o radiografía de la sociedad que les correspondió vivir. Hoy quiero cerrar este encuentro con ustedes, queridos estudiantes, contándoles poemas que narran historias de seres sencillos, pero que gracias a la magia de la palabra poética, se vuelven universales, trascendentes.

Voy a compartir por ejemplo, este poema narrativo de José Manuel Arango, en el que el poeta desnuda el cinismo de los verdugos que hoy tienen a Colombia convertida en un cementerio de fosas comunes:

Hay gentes que llegan pisando duro

Hay gentes que llegan pisando duro
que gritan y ordenan
que se sientan en este mundo como en su casa

Gentes que todo lo consideran suyo
que quiebran y arrancan
que ni siquiera agradecen el aire

Y no les duele un hueso no dudan
no sienten un temor van erguidos
y hasta se tutean con la muerte

Yo no sé francamente cómo hacen
cómo no entienden

Esas mismas gentes que ejercen el oficio de la guerra, la empresa más insulsa del hombre a través de su historia. Los verdugos hacedores de ausencias y dolor para generaciones enteras como hermosamente narró el poeta colombiano William Ospina en el poema LOS HIJOS DEL SOLDADO

Mi padre era maestro. Yo tenía siete años.
Y un día recibió, como todos, la carta.
Había sido aceptado en el partido
(aunque jamás habría solicitado el ingreso).
Le enviaron el escudo con la esvástica.
Unos meses después marchaba rumbo a Rusia.
Mi madre estaba enferma aquel invierno,
los tres niños debíamos hacer todo en la casa.Y a veces venían cartas desde el frente oriental.
La guerra era una ausencia, un silencio, un temor que crecía.
Después las cartas se acabaron, y se acabó la guerra.
Y los hombres volvieron, pero él seguía en el frente.
Qué larga fue la infancia; qué triste esta Alemania en la memoria.
Los tres íbamos juntos cada sábado
a esperar aquel tren.
Sin hablar lo esperábamos.
Y mi madre creía que estábamos jugando en los campos vecinos.
Año tras año, sin faltar, cada sábado,
sin decírselo a nadie,
esa estación nos vio crecer callando.
Cuando caía la noche, regresábamos.

WILLIAM OSPINA

Pero no sólo de los dramas colectivos y familiares producidos por la guerra y la violencia se preocupa el poeta. Esos asuntos en apariencia intrascendentes; ésos dolores familiares que a todos nos llegan. La impotencia de observar cómo se va un ser fraterno rodeada de cuidados poco oportunos y el dolor que sobreviene, también merecen los versos del poeta: Carmen Gómez –mi prima lejana- murió casi una/ niña/ De familia campesina vivía cerca de la ciudad/ y los domingos mi madre y yo íbamos a visitarla/ En el vientre le creció un tumor maligno/ que fue agotando su organismo hasta matarla/ Carmen era espiritual y hermosa/ y recibía nuestros regalos –un racimo de uvas/ una blusa de organdí-llorando-/ Cuando la conocí ya estaba enferma/ y los médicos se habían dado por vencidos/Desesperados los padres acudieron a un brujo/ -a un curandero- que desplegó sus artes mágicas/ con ceremonias dolorosas y humillantes/ El brujo trataba de curar lo incurable:/ la azotaba con ramas de eucalipto/ la cabalgaba desnuda –se le sentaba en el vientre- / Y Carmen soportaba estoica esos maltratos/ esperando salvarse del naufragio/ Un abril la llevamos al cementerio a enterrarla/ y mis lágrimas fueron las primeras que vertí por un/ muerto/ (Raúl Gómez Jattin).

Y la poesía, el poema cuando narra se viste también de ternura. Y cuenta con sabrosura anécdotas tan ingenuas que ocurren a los dos primeros amores de muchos niños: el fútbol y la chica de los sueños: Ayer por la tarde: Ayer por la tarde,/como te había prometido,/ jugué el mejor partido de fútbol de mi vida./ En el primer tiempo/ hice un gol a los quince minutos./ A los treinta y siete hice otro./ En el segundo tiempo,/ a los siete minutos,/ José Villegas,/ el que cuando canta dice/ que le nacen mariposas en el pensamiento,/ fusiló a nuestro arquero con un taponazo sobre el ángulo izquierdo./ A los diez y nueve minutos y quince segundos,/ David, el que quiere ser aviador,/ empató el partido/ con un lindo gol de cabeza./ A los cuarenta y cuatro minutos,/ al estilo Castañito,/ hice el gol más lindo del mundo./ Mi equipo ganó por el marcador de dos a tres,/ pero yo sentí que había perdido porque tú no viniste./ Me derrotaron los goles que me hizo tu ausencia. (Jairo Aníbal Niño).

El poeta como escribano, como cronista de la vida, como pintor que traza los colores de la miseria humana. El poeta que narra y describe con la palabra como pincel, en su incapacidad para dibujar, nos ofrece poemas narrativos como si fuesen obras pictóricas que desgarran el alma del lector.
A orillas del Río Grande: Salgo a la hora en que el sol/ todavía es una realidad ausente./ Camino de la orilla/ las mujeres barren los pretiles/ y afilan la lengua/ para la calumnia del día./ Ya en el puerto se respira algarabía:/ pescadores y comerciantes/ ofician de malabaristas/ sobre el borde de las canoas./ Huele a aceite caliente/ y montañas de empanadas/ se derrumban ante la premura del hambre./ El bagre soporta la crueldad del cuchillo/ hasta expirar para que otros respiren:/ es la vida revuelta con la muerte./ Las manos sudorosas y ensangrentadas/ se confunden en un cambalache/ de dinero, doncellas/ y eructos con sabor a ñeque./ Un perro levanta la pata/ y satisfecho orina/ sobre un balde repleto de bocachicos:/ recibe como premio/ la entrada de una cuchillada en las entrañas./ Cuando el sol tortura/ los piojos de los niños/ regreso con una mancorna de pescado/ en la mano izquierda/ y el alma quebrada en la derecha. (Beatriz Vanegas Athías).

Sí, en estos tiempos, el poeta vive con el alma quebrada, pero esta circunstancia no le impide ser el cantor de la vida. Aunque hable del dolor, la muerte y el amor desengañado, el poeta y la poesía, son las evidencias de que el ser humano no se convertirá en bestia. Por ello, mis queridos amigos, la poesía irreverente, humorística, audaz, serena, tierna y amorosa, narrativa, debe hoy más que nunca ocupar un sitio privilegiado en el aula de clase y en la vida de todos ustedes. Muchas gracias.

Bucaramanga, agosto de 2007, Tercer Congreso Juvenil de Lectores y Escritores, Colegio La Presentación: “Ojos que no leen…con razón que no entienden”

2008-03-29T18:00:00.000-07:00

LOS HIJOS DEL SOLDADO

Mi padre era maestro. Yo tenía siete años.
Y un día recibió, como todos, la carta .
Había sido aceptado en el partido
(aunque él jamás habría solicitado el ingreso).
Le enviaron un escudo con la esvástica.
Unos meses después marchaba rumbo a Rusia.
Mi madre estaba enferma aquel invierno,
los tres niños debíamos hacer todo en la casa.
Y a veces venían cartas desde el frente oriental.
La guerra era una ausencia, un silencio, un temor que crecía.
Después las cartas se acabaron, y se acabó la guerra.
Y los hombres volvieron, pero él seguía en el frente.
Qué larga fue la infancia; que triste esta Alemania en la memoria.
Los tres íbamos juntos cada sábado
a esperar aquel tren.
Sin hablar lo esperábamos.
Y mi madre creía que estábamos jugando en los campos vecinos.
Año tras año, sin faltar, cada sábado,
sin decírselo a nadie,
esa estación nos vio crecer callando.
Cuando caía la noche regresábamos.

WILLIAM OSPINA
Tomado del libro ¿Con quién habla Virginia caminando hacia el agua?

Mujeres de ojos grandes por Beatriz Vanegas Athías

2008-03-29T16:41:00.000-07:00

¿Leer para qué?, se preguntan miles de seres que no conciben la existencia de otros miles de mortales que dedican una buena porción de sus días a vivir al ladao del único amigo que jamás defrauda: el libro. Leer -me respondo- para tener la humildad de reconocer que siempre habrá alguien mejor que nosotros, o por el contrario, como dice Esopo: "Siempre hay alguien que está peor".

Leer para inquietarme, para entender que no todas las verdades son justificables, pero sí explicables. Leer para escuchar y tolerar. Para blandir argumentos y no energumentos. Leer para no repetir año tras año, década tras década, siglo tras siglo, los mismos errores que provocan infelicidad.

Y qué felicidad es leer a la escritora de Puebla, México (1949), Ángeles Mastretta, especialmente su libro de 263 hermosas páginas "Mujeres de ojos grandes". Un libro de cuentos magistrales por su sencillez narrativa-ya lo dijo Bertrand Russell: "La claridad es una virtud"- en el que es posible encontrar relatos que dan cuenta, cómo a pesar de que el mundo de la mujer latina se limita a lo familiar: marido, cocina, hijos y casa, sigue latente en ella la fuerza para, llegado el momento, tomar decisiones y reconocer el instante de cambiar o de conservar la vida rutinaria hasta entonces vivida.

Por esto, en "Mujeres de ojos grandes", el libro que ofrece la inteligencia expresiva de Ángeles Mastretta, hallamos, por ejemplo, la historia de la tía Mercedes y su amor de antaño, con quien se encuentra en una fiesta -casados ambos- y se convierten en amantes, para el caso de ellos, se equivale a ser cómplices. De tal suerte que él, mujeriego consumado, le cuenta en cada encuentro hasta el más mínimo detalle de la vida que no han trasegado juntos por sus respectivos matrimonios.

O la tía Chila, mujer "a quien nadie entendía cómo había sido capaz de abandonar a un hombre que en los puros ojos tenía la bondad reflejada", sin dar explicaciones y sin amante conocido. O la historia de la tía Clemencia Ortega, relato a través del que se reivindica el acto de desear, de experimentar ganas en una mujer, por ello, la tía Clemencia: "de tanto sobarse a escondidas sintió que sus pezones estaban puntiagudos como una pirinola".

Y cómo cuenta de hermoso Ángeles Mastretta: es este libro un festín en el arte del buen narrar, de las comparaciones, las descripciones y las sentencias precisas.

Para nombrar a la tía Charo, por ejemplo, nos brinda: "Tenía un pelo castaño y subversivo y una lengua despiadada y alegre con la que recorría la vida y milagros de quien se ofreciera".

Para explicar los desmanes eróticos de la tía Celia, la escritora mexicana afirma:"A la gente le cuesta trabajo soportar la felicidad ajena. Y si la felicidad viene de lo que parece ser un acuerdo con el otro, entonces simplemente no es soportable".

Y este símil para nombrar los deseos insatisfechos de la mujer y reclamar su derecho a equivocarse y a soñar: "La tía Mónica hubiera querido ser un globo de esos que los niños dejan ir al cielo, para después llorarlos como si hubieran puesto algún empeño en no perderlos, hubiera querido viajar por países exóticos o recorrer los pueblos de México con la misma curiosidad de una antropóloga francesa, hubiera querido enamorarse de un lanchero en Acapulco, ser la esposa del primer aviador, la novia de un poeta suicida, la mamá de un cantante de ópera..."

"Mujeres de ojos grandes" que encuentran a sus antiguos enamorados en la copa de un árbol, que se enamoran del mar y huyen en su búsqueda; que ambicionan hombres tiernos y dispuestos a escuchar, como el amor de la tía Mariana: "La iba queriendo sin prisa y sin órdenes, como si fueran iguales. Luego le pedía: cuéntame algo".

No es justo pasar por el mundo sin haber vivido, sin haber leido este libro.

Publicado en El Merdiano de Sucre, enero de 2005

Columna de los jueves

Las Malacara

2008-01-26T12:17:00.000-08:00

SANDRA LUZ PÁEZ CLAVIJO: Bailarina del Chandé de Gamarra...Sagitario andariega desde la Orilla de río Magadalena hasta las neblinas perpetuas de Pamplona. Fotógrafa oficial durante ocho años del Encuentro Internacional de Mujeres Poetas que durante quince años ha mantenido la incansable poeta de la acción Lena Reza. Amante del vino, los amigos y la disciplina que la ha llevado a afirmarse como una maestra de Literatura en Floridablanca y promotora de lectura en todo el país. Nadie que pasa por sus cursos sale igual: para afirmarse, para encontrarse o para aprender a reir y comprobar que la vida no es una cuadrícula. Ahora y siempre su vida transcurre entre los libros de Mem Fox, Anthony Browne, Keiko Kasza, Cristine Nostlingger, Ivar Da Coll,Silvia Galvis, María Mercedes Carranza, Eduardo Galeano, Mario Beneddetti o Raúl Gómez Jattin...ah..y entre los tambores de Totó, la salsa de Lavoe o los boleros de Celia.

BEATRIZ VANEGAS ATHÍAS: De Majagual, Sucre. Vendedora de periódicos, profesora de literatura desde los 15 años. Amante de la poesía, de la buena música, del cine que empezó a amar en las noches del Teatro Diana. Equilibrada, característica de su signo libra, aunque algunas veces se desequilibra por la desigualdad social que cada vez es abismal. Su vida está entre los libros y ser maestra de Literatura en Floridablanca, en donde logra que sus estudiantes empiecen a recorrer los caminos de la fantasía, la realidad y la fea belleza de la literatura. Su mayor felicidad es encontrarse con un texto infantil que la divierta y piensa en qué momento puedo darlo a conocer. El libro infantil que más le gusta es YO de Philip Waechter, los escritores que más disfruta son: Alejandra Pizarnik, Ángeles Mastretta, Jaime Sabines, María Mercedes Carranza, Aurelio Arturo, Raúl Gómez Jattin, Kavafis, Ivar Da Coll, Cristine Nöstlinger, Tommy de Paola, Satoshi Kitamura. Cuando decide sentarse a escribir le gusta acompañarse de Carlos Vives, Chavela Vargas, Bola de nieve y los boleros de Plácido Domingo.

Hasta el momento tiene escritos los siguientes libros:

- Abriendo las piernas a la carne (1993) con el que obtuvo el Premio Universidad Externado de Colombia.

- Galería de perdedores (2000). Premio Fondo Mixto de Cultura de Sucre.

- Los lugares comunes (2006)

Es columnista de los diarios Vanguardia Liberal y El Meridiano de Sucre.